Comentarios sobre la exposición por Mino Iorio (Storico dell´Arte) (Castellano)

 

Introducción crítica

Itálica es una exposición de artistas españoles e italianos que expresa todo su atractivo en la internacionalidad del evento.

 Dos realidades antropológicas tan cercanas pero, al mismo tiempo propias, caracterizadas por profundas diferencias debidas sobre todo a una historia diferente que abarcaba sus respectivos territorios de referencia y sus ciudades: Murcia, Albacete, Cartagena, Villena, Jávea, Alicante, Algemesí, Valencia, Caudete, Castilla-La Mancha, el sudeste de España, en la vertiente española; Campania, Nápoles, Saviano, Caserta, Aversa, Santa Maria Capua Vetere, Magdaloni, Salerno, Calabria, Sibari, San Demetrio Coronas, Sicilia, Canicatí, Catanzaro, Cerdeña, Senegal, Nurachi, la península del Sinis, el Mezzogiorno, para el lado italiano.

 Pero si esto es cierto en general, en muchos casos, más que diferencias, podemos hablar de verdaderas comparaciones. De hecho, podemos decir que en algunas épocas, los acontecimientos artísticos oportunamente documentados en la historia, han generado grandes momentos culturales y sugestivas mezclas.

Sólo para mantener fe en lo que son mis pasiones antiguas, permítaseme referirme al sorprendente periodo del «gótico flamboyant» que cruzaba el Mediterráneo a lo largo de las costas y a su vez rompe y desplaza sobre todo genios creativos de las orillas y de los patios de los grandes astilleros valencianos, principalmente hacia la ciudad de Nápoles, capital del Reino y de allí, poco a poco, todas las provincias del Sur, incluida Sicilia.

Pero este es el pasado, un gran pasado, que sin embargo, fija, en términos imperativos, las raíces culturales españolas que aún hoy podemos definir como dedicadas a ese «fuego de serpiente del expresionismo ibérico» – como amaban llamarlo mis grandes maestros – que todavía está representado por esa vehemencia artística y cultural hecha sobre todo de color con un interés relativo por el espacio prospectivo o informal, sea lo que sea. Un estilo antitético que hoy, aquí, se compara sin mezclarse con un abstractismo totalizador e italiano para cuya lectura remito a uno de los fenómenos artísticos más convincentes que afectan precisamente a los territorios campanos, desarrollado entre pasos Apeninos y pasos montañosos situados alrededor de las vastas llanuras metropolitanas inurbanas, desde Nápoles a Nola, de Santa Maria Capua Vetere a Nocera inferior, de Pozzuoli a Castellammare di Stabia, o al grupo teórico/práctico de «Astractismo Total» fundado en 1975 por Mario Lanzione, Antonio Salzano y Giuseppe Cotroneo.

En cualquier caso, la presente exposición sigue siendo interpretación y representación de signos del color como materia tangible del abstractismo contemporáneo. Sobre toda esta concentración de ideas y sensaciones, sin embargo, el reto que el arte tiene que lanzar hoy no puede prescindir de al menos dos factores esenciales: el medio ambiente y el territorio. El primero en términos de salvaguardia, el segundo en términos de plazos de valorización.

Itálica, en su conjunto, es portadora de estos dos factores a los cuales todo artista – digno de tal nombre – debe medirse para ser amonestador y demostrar hasta qué punto la humanidad, siguiendo el camino que ha emprendido hasta ahora, está abocada al desastre e incluso a la extinción. Cambio climático, cambio de las fuentes de energía, energía a partir de combustibles fósiles a fuentes de energía renovables, optimización de los recursos del planeta son los temas fundamentales a los que el arte debe mirar sin ninguna distracción y cómo alguien gritaría «. . . con un pie en el pasado y la mirada recta y abierta en el futuro» (P. Bertoli). Un futuro sostenible.

En la exposición encontramos todo lo que el hombre quisiera para su tierra, para sus afectos, para sus aspiraciones, independientemente de la parte de la orilla del Mediterráneo que se encuentre. Están los sueños, los dramas, afectos y recuerdos, pero sobre todo está la naturaleza en su conjunto, desde el desierto con sus catedrales a las aguas cristalinas de la península de Sinis. Hay acrobacias de quien vive al margen de la realidad y las certezas de quienes han huido de ella para encontrar las respuestas correctas en la filosofía de las religiones orientales. Están los viajes, la música y…  el movimiento. Está el teatro, la primera forma de arte descubierta por la civilización occidental. También la belleza femenina que recuerda la fertilidad y la abundancia de la cosecha. Incluso hay Santos que disfrazados protegen a los hombres y a sus hogares en nombre de un pauperismo folclórico y un paganismo cristianizado.

Así, Alberto Balaguer prefiere el arte figurativo a través de sus desnudos, envueltos en atmósferas ultraterrenas y soñadas persiguiendo la moral dantesca de estilo medieval que ve en la mortificación del cuerpo, especialmente femenino, la expiación de toda forma de pecado. Una tela cálida cromática que acompaña a los encarnados inmersos en una luz divina convirtiéndose en el símbolo del origen del pecado que lleva a la condenación y a la condenación eterna.

 Ana Hernández Morote es una intérprete romántica de nuestros días dirigiendo su propia atención a los lugares que caracterizan los paisajes de nuestra experiencia. En sus pinturas los templos y cúpulas sobresalen en primer plano para dar testimonio de la grandeza que algunos elementos asumen en el panorama simbólico de la cotidianidad. Una cultura figurativa arenosa carga de intensidades pictóricas que excava en las superficies de las paredes y hace que los efectos materiales.

Antonio Ciraci es un artista de gran espesor creativo de la profunda connotación intelectual. Su pintura forma parte de la corriente informal napolitana que tuvo sus precursores autorizados en Domenico Spinosa – de quien fue alumno – Renato Barisani, Raffaele Lippi, Elio Waschimps, Gianni De Tora, Carmine Di Ruggiero, Armando De Stefano, pero sin usar nunca las ropas del malestar cultural porque las suyas son interpretaciones que aportan una serenidad interior desarmada, aunque participan en la ruptura de los esquemas propios de la tradición. Antonio expresa sutilmente la señal de la aparición, levanta el grito encerrado en el silencio, elabora la resignación estreñida en el alma del ser vivo luchando con el ciclo de sus días.

Antonio Requena Solera está en línea con la gran tradición expresionista informal de inspiración europea de Viuda en Baselitz. En su arte se descompone todo orden preestablecido; irrumpe en el panorama de toda la exposición y subvierte cualquier idea convencional de percepción. El suyo, personal equipaje cultural se impone con prepotencia afirmando con claridad las líneas guía de su arte. Nunca es sumario y evanescente, sus creaciones son siempre prominentes y dejan una huella tangible en el panorama del arte.

Antonio Vidal Maiquez con sus obras marca profundamente la percepción purista del observador catapultándolo en una atmósfera enrarecida y sugestiva caracterizada por un refinado linealismo prismático y un intenso cromatismo sensorial. Fuerte es su abstracción – y extracción – grabado que impregna toda la obra que normalmente nace de la observación directa de la realidad, pero siempre representada con un estilo del todo íntimo y personal.

 Carlo De Lucia, en cambio, ofrece su interpretación existencial a través de atmósferas enrarecidas y habitadas por personajes simbólicos donde el protagonista principal es ese personaje silueta típico de su tradición figurativa que realiza vuelos y acrobacias entre los obstáculos de todos los días. Organiza escenas de vida universalizándolas a través de una gama cromática bien definida, azul para la parte inferior y negro para los dígitos, simbólicas de la historia.

Carmela Corsitto, en las obras propuestas, se atiene a su filón artista conceptual mostrando una notable habilidad en el tratamiento de los materiales que enriquecen considerablemente el panorama de la tecno-creatividad contemporánea. Materiales plásticos y sintéticos ofrecen la oportunidad de investigar la obra en su profundidad tridimensional dejando dialogar lo visible con lo invisible y tratando de determinar un equilibrio entre el dar y el tener inherente a la materia de las cosas que en cualquier caso gravitan - en su composición – en torno a una cognición. Su larga serie de libro de, objetos, del cual tenemos aquí un ejemplo importante, indican bien cuál es el objetivo de su producción: dedicar toda la atención a un tema de elección, más que a una materia connaturalizada.

La vena artística y creativa de Elena Diaco Mayer es toda en el reflejo de que la materia adecuadamente trabajada reproduce con todas sus interpretaciones. Si en el centro de este reflejo sarcástico imponemos una cifra, una letra o, mucho más, un símbolo específico de la cultura Zen donde «los opuestos se generan el uno del otro» como el Yin y el Yang, Masculino y Femenino – Pinto-escultura de 2010, aquí en exhibición – estos se convierten en una clave interpretativa imprescindible en el terreno de lo imponderable.

 La pintura de Enzo Trepiccione continúa un discurso similar basado en un repertorio semántico específico que toma forma a través de una evolución continua de los signos y del color. La obra se convierte en representación en clave antropológica y naturalista de los símbolos que han caracterizado la historia de la humanidad, desde los orígenes hasta el mundo contemporáneo, confiando en el rasgo expresionista la intensidad del mensaje.

 Enzo en muchos casos sabe ser un intérprete profundo del gusto sentidamente mediterráneo en el sentido de que inaugura en muchas de sus obras ese cromatismo brillante y emotivo evocando grandes nombres del siglo XX como el de Giulio Turcato que desde los años sesenta dedica todo su empeño exclusivamente a la abstracción y a la investigación sobre el color cuando después de un viaje a Asia fue fascinado por ideogramas chinos que se convierten en «representaciones formales reales de la expresión» como en la obra titulada Segnico, de 1960, y ahora pertenece al Museo de Arte Moderno y contemporánea de Terni. Bueno, del mismo modo, todo esto, también se puede rastrear en Enzo Trepiccione con la adición de una particular predisposición a la esquematización de la superficie del cuadro o de la tela y a una pincelada radiante y brillante.

La gran pasión por la fotografía aérea de los paisajes rurales del territorio sardo hace de Francesco Cubeddu un cantante atemporal de la belleza que debe protegerse y transmitirse a las nuevas generaciones. Los restos de la civilización Nuraghi conectan al artista con la cultura arqueológica de su país a través de un abstractismo simbólico. Son los llamados retratos de la tierra que nos hablan a través de las grandes geometrías de conjunto. Una antigua forma de arte que ya afectaba a los campesinos de la prehistoria a través de mega grafismos reproducidos en el terreno recién vallado. Una pasión profunda que se convierte también en documentación antropológica a través del vuelo utilizando el ala delta motorizada.

 En pocos años Gianfranco Racioppoli vuelve también en esta exposición sobre el tema de la pared creando una pared inmensa y blanca que hace de telón de fondo a  « los acontecimientos humanos. » Una especie de gran vacío que el hombre llena con sus acciones determinando las consecuencias en una época histórica caracterizada por una candente actualidad: la invasión del ejército ruso de un Estado soberano como Ucrania, desencadenando una espiral que no habla de detenerse y promete años de destrucción y muerte dentro de las mismas las fronteras de Europa con el riesgo de una escalada de un verdadero tercer conflicto Mundial. La tierra se tiñe de rojo como la sangre de tantos jóvenes, de tantos civiles – entre ellos cientos de niños – que están muriendo para resistir y mantener el dominio sobre una pequeña franja de tierra y mar que se extiende a los grandes puertos de Mariupol y Odessa.

Una representación de una inmediatez sorprendente que se revela con su sencillez incluso a los ojos del observador más superficial. Didascálicas destacadas las de Racioppoli que se revelan en el acto de lanzar las señales más alarmantes posibles con el fin de salvar a la humanidad y a la naturaleza que la alberga.

En cambio, para Ilia Tufano , la pared no podrá ser ni blanca ni vacía, sino que deberá llevar la marca gráfica de la escritura. Secuencias de letras y palabras organizadas en cadenas que se deslizan una sobre la otra y que revelan la movilidad de su composición porque según una reminiscencia fortuita suya «el futuro no está escrito» y está determinado por las acciones del hombre en su presente como «una hoja blanca en la que escribir nuestro tiempo».

El uso de la escritura en el arte conceptual tiene una tradición que comienza en 1970 con Joseph Kosuth teorizó sobre Arts Language inaugurando un largo filón con obras presentes sobre todo en Nápoles a partir de la sección de Arte Contemporáneo del Museo Nacional de Montaje nuevo. Recurriendo a la escritura, establece por primera vez el principio del significado de una obra de arte independientemente de su forma y color.

Joaquín LLorens reconoce en el metal de sus esculturas – a menudo de hierro – el material más adecuado para expresar el estremecimiento que atraviesa su interioridad y ser portador de sueños en la conciencia de que sólo quien sueña está vivo. En el minimalismo encuentra su principal forma expresiva y reconoce en la historización de las artes la cresta objetiva más adecuada para establecer el espesor cultural de la fabricación artística.

De autodidacta aprovecha innumerables corrientes artísticas locales e internacionales pero las sintetiza con vigor y elegancia plástica como ocurre en los versos que le dedica el poeta villenense, Fernando Sánchez García, quien en su colección titulada «Del negro al verde nacido» expone todo su universo y «verso cromático», que va precisamente del negro al verde nativo.

 Las esculturas de Joaquín, como estos versos, sin remordimiento, ni retórica, se convierten en el mensaje puesto en la botella de un náufrago que se lanza en busca de alguien que lo lea y lo guarde.

Juanjo Jiménez en su serie titulada «El Norte» muestra su gran pasión por los ambientes naturales e incontaminados. Declara todo su amor por esos escenarios intactos, ni siquiera remotamente marcados por la mano del hombre. Una creatividad que expone la naturaleza en primer plano fruto de la exploración donde las técnicas pictóricas y las técnicas fotográficas, se funden creando auténticas interpretaciones visuales con un sabor descriptivo y creativo a la vez.

Como en un trabajo de taller a la manera del viejo pintor, querido por él, Alfonso Quijada de Valdeganga (Albacete), que tenía en su farmacia el lugar de encuentro para muchos artistas, un espacio/laboratorio donde la ciencia era fuente de inspiración para sus obras y Juanjo, de joven, lo miraba empeñado en sus obras como un discípulo de la Edad Media observa a su maestro la intención de triturar los colores según la antigua sabiduría del especiado.

Lucio Afeltra interviene en la exposición con una propuesta de sabor intelectual que se presenta con una partitura dividida a la mitad de extracción estructuralista (un díptico). Una primera vez parte profundamente expresionista reproduce una estratificación vertical marcada en paso del amarillo de lo desconocido al celeste geométrico del hallazgo lógico. Una segunda parte muy decidida compuesta por un extracto tipográfico unido a un andamio de típicos utilizados para la conservación en excavaciones arqueológicas sobre las que se solapan o se unen a signos simbólicos.

 La suya es una tendencia natural a la instalación porque en su lenguaje conviven contaminaciones y superposiciones derivadas de la poliédrica expresividad del arte contemporáneo.

También para Marco Pili (como para Francisco Cubeddu más arriba) la península de Sinis, en Cerdeña centro-occidental, representa las raíces de un naturalismo básico que lo acompaña constantemente en su camino de artista. Tal vez, entre los dos, la diferencia no es tanto el mensaje, que sigue siendo gran inspiración, como el acercamiento a este gran patrimonio natural del territorio.

A la visión aérea de los lugares, Pili prefiere hundir los brazos en el suelo cargado de sensaciones materiales que implican tacto, olfato, gusto, vista y oído. Para él son el pan Carasau, la tierra, la arcilla, la arena, la madera, las ceras, la sangre de buey, los tejidos y los restos de antigüedades… pergamino de interés.

Todo esto se refleja potentemente en las dos obras presentes en la muestra. Franjas anchas de bandas cromáticas intensas que atraviesan las superficies de los Cuadros gordos. El lenguaje dominante es el informal que genera un abstractismo atento a la cultura de origen, al mundo rural típico de la civilización sarda, a un territorio salvaje y sin fin, la joya del hermoso país de paisajes y rasgos extraordinarios, Sin embargo, debe protegerse y valorizarse.

María Credidio, al menos desde 2020, adopta un lenguaje inspirado en un refinado minimalismo que se refleja intensamente en la obra presente en la exposición. La suya es una búsqueda que parte de lejos y hunde sus raíces en lo informal y en el abstractismo, pero desde hace al menos una década, de forma muy específica, sus obras abandonan todo tipo de redundancia para exaltar líneas y concentraciones geométricas que vibran y se multiplican bajo el efecto de la luz.

El uso del monocromo es un remanente plástico que aumenta los efectos de brillo que captan la atención del observador a través de las formas y perfiles esenciales mediante la creación de una destacada comunicación de contenidos.

Para Ludwig Mies van der Rohe, arquitecto y diseñador alemán, ¨el minimal art¨ se expresaba a través del lema "less is more" para expresar una integridad estructural hasta convertirse en una verdadera filosofía de vida.

Y es justo lo que María Credidio en última instancia quiere transmitir: la elección de una vida sencilla que no renuncia a nada, sino que busca sólo eso, pertenece a una voluntad personal con el fin de proporcionar satisfacción interior a la manera de los grandes maestros espirituales, como Buda, Epicuro, Jesús, San Francisco de Asís y Gandhi.

 María Angela Calabrese expone un arte cargado de sugerencias cromáticas elaboradas a través de años de investigación en aproximaciones y en la elección de la distribución de los flujos de color en la superficie del marco.

Podemos decir que el suyo es un lenguaje conceptual caracterizado por la extensión. De hecho, en la obra expuesta practica el goteo según la tradición más pura refiriéndose a esto al expresionismo clásico americano de Jackson Pollock y Willem de Kooning, pero modula la pintura de acción en un perímetro geométrico muy elegante e ilimitado generando formas simbólicas bien definidas. Este tipo de elección produce un léxico que hecho es un proceso artístico antitético al minimalismo de los otros artistas presentes en la exposición porque el conceptualismo de María Angela se remite más al “Colour field&quot”es decir, a la pintura hecha de campos de color, que el crítico de arte neoyorquino Clement Greenberg teorizó en torno al 1940 viendo en el Minimal Art un diseño que tiende a lo rudimentario y reconociendo en los sentimientos producidos por los campos cromáticos la fuerza de elevar la obra a un alto nivel de intensidad artística.

Las pinturas de Marina Torres Medina siguen un lenguaje vanguardista de sabor francamente futurista. El interés por las corrientes artísticas italianas es evidente. Descompone las formas y las hace progresivas procesando el sentido del movimiento que acompaña a una representación sinestésica hecha de violines y partituras. La Violinista y La naturaleza muerta con violín propuestas en la obra, se desarrollan alrededor de un eje central dejando en la mirada del observador un sentido tranquilizador de equilibrio visual.

 El futurismo es históricamente la primera de las vanguardias nacidas en Italia pero, por desgracia, convirtiéndose en una de las corrientes artísticas más seguidas durante los 20 años fascistas, terminará, por razones estrictamente políticas, siendo dejada de lado o por lo menos pasar a un segundo plano a partir de 1944 con la muerte de su fundador, el poeta Filippo Tommaso Marinetti.

En realidad, esta especie de “daminatio memoriae” será rechazada – con razón – por muchos artistas a lo largo del tiempo, originando una corriente Neofuturista a corto plazo fundada por Daniel Schinasi en 1969 y que sigue grandes nombres como el de Antonio Fiore – de quien recientemente tuve la oportunidad de presentar algunas de sus obras con motivo de la exposición Religión (2021/2022) por mí presentada a Sermoneta (LT) – de su maestro Sante Monachesi y, en el caso de Itálica, de la misma Marina Torres Medina que aquí tenemos en exhibición es la  prueba de la tendencia de parte de esta pintora española a querer entrelazar con el panorama italiano todas las formas de interacción.

 Mavi Rico Vidal es artista ya conocida en Italia sobre todo por sus recientes exposiciones de las que recordamos sobre todo «Contaminaciones abstractas – materiales. Artistas para el Arte/Estudio – Galería» (2021). Y precisamente en el marco de esta experiencia de «matriz» Abstracta, predominantemente material, que se logra enmarcar bien en el lenguaje informal de Mavi Rico Vidal jugado enteramente en el «Colour field" - de la que ya he hablado más arriba – es decir, de esa pintura hecha a través de los campos de color, o – y como ya tengo dicho – una forma de expresionismo que reelabora toda la tradición expresionista - que, en mi opinión, se debe sobre todo al entorno ibérico – basado única y exclusivamente en el efecto material del color ignorando cualquier forma de profundidad o profundidad de perspectiva.

Especialista en libros de artista, Natalia Pérez Chazarra es una intérprete muy importante del sabor minimalista intenso y arraigado en el arte tradicional de su territorio.

Precisamente  las fiestas populares de Alicante prevén la construcción de monumentos realizados con madera y cartón reciclado que luego se convierten en grandes hogueras en honor de San Juan Bautista.” Les Fogueres de Sant Joan” que de Jávea a Alicante involucran a poblaciones enteras en un gran momento de religiosidad y folclore a medio camino entre lo sagrado y lo profano. En Italia manifestaciones de este tipo tienen sus raíces en la antigüedad, especialmente en Nápoles y en Campania, donde el acto de quemar lo viejo – muebles, muebles en desuso, accesorios, etc. – con motivo de los llamados fuegos de San Antonio Abad, o más tradicionalmente Sant’Antuono, está ligado a prácticas propiciatorias de clara procedencia campesina.

La cultura de Natalia Pérez Chazarra muestra cómo cruzar la frontera de  lo antropológico de su tierra y estar en plena sintonía con la vocación dominante en toda la cuenca mediterránea activando su profundo sentido de la elegancia y la representación simbólica que la convierte en una ilustradora de libros, delicada y muy original .

Norberto Legidos López utiliza en estas dos obras un lenguaje informal abstracto del que se desprende una profunda aptitud a esos pasajes cromáticos extendidos típicos de las técnicas gráficas y caracterizadas por ensayos continuos del color. De estos pasos, el artista se enamora , hasta enmarcarlos como campos visuales que se someten a un análisis lenticular de evidente intensidad expresionista. No renuncia a la sugestión de conjunto generando cuadros dotados de una valiosa calidad cromática.

 La obra de Ombreta Gazzola es profundamente maternal. Se anima a través de un contraste entre colores cálidos y colores inspirados en la tierra. El ocre domina por el brillo y el brillo genera una auténtica dominante visual. El marco delimita claramente la pintura contribuyendo a una lectura muy concentrada y sin posibles divagaciones sobre la elección del espacio creativo. Sobre todo, emerge una sofisticación de las aproximaciones que hacen de esta obra una auténtica obra maestra sensorial.

 Las obras de Paco Mora muestran claramente el origen de su formación en el campo de la gráfica. El abstractismo formal es relegado  a un segundo plano y casi cubierto visualmente por las guías oblicuas de banda negra del sistema de estructuración de toda la representación. Se trata de efectos cromáticos desenfadados que asumen tantas variaciones especialmente entre caras tetraédricas deliberadamente caóticas y caracterizadas por una su firma personal en forma de círculo de color ocre.

Pepe Francés realiza estas esculturas presentes en la exposición utilizando un lenguaje minimalista ajeno a cualquier tentación retórica. A través del uso del multilateral consigue seleccionar pequeños mundos emotivos donde el metal doblado y esmaltado con colores fuertes y decididos como el negro y el rojo o la madera convenientemente injertada en varias piezas, a menudo conservando la corteza del aspecto naturalista original, son las cifras plásticas de una materia totalmente íntima y personal.

La cultura que se desprende es profundamente vanguardista en sintonía con una auténtica y actualizada elección artística contemporánea.

Salvador Torres en sus dos obras expuestas se inspira en el surrealismo propio y particular caracterizado por una técnica profunda basada en un expresionismo cromático y formal. Él elabora una pintura conceptual de profundo significado teórico. En este sentido, podría aludir al significado metafísico a través de una lectura filosófica que intenta captar la esencia más allá de la apariencia física de la realidad. Quiere ir más allá de la experiencia sensorial y desencadenar la especulación ideológica. Prevalecen escenas y atmósferas de la imaginación de la que surge sin duda alguna una dimensión surrealista y onírica reconocible a través de la luz que «proyecta sombras» hiperreales sobre las superficies inmateriales del suelo.

Es New York simbolizada por la gran manzana la que se convierte en un sólido cromático gigante en exposición dominante. Está la ciudad, o más precisamente Cartagena, con sus edificios arqueológicos monumentales a prueba de que en la antigüedad la civilización romana ya se acercó a los dos mundos. Está simboliza por una gran manzana verde, símbolo de la primacía de los antiguos. Dos símbolos de los orígenes de la humanidad bien definidos por el pincel del autor que al mismo tiempo toma parte directa en la escena como en la más recurrente de las tradiciones representativas del clasicismo al Renacimiento a la pintura de los siglos sucesivos, hasta en nuestra época contemporánea.

La obra de Salvatore Pepe es el resultado de toda una larga producción que en resumen podemos definir dedicada a un estilo informal basado en verdaderos reconocimientos sobre el color. La línea divisoria entre las bandas cromáticas no es nunca un intento de aislar las formas, pero se convierte en un recipiente en el que el pigmento cromático se estudia y se somete a una cuidadosa reflexión cognitiva. Haciendo esto, el artista genera atmósferas únicas que en esta obra se resienten de un sintético informal, decidido, sin espacios ni ceder a la retórica formal. Este lenguaje podría prestarse a muchas interpretaciones dejando traslucir ambientes, paisajes y escenarios de todo tipo. En realidad, el autor se prodiga exclusivamente para hacer sus conceptos a través de opciones estéticas simples pero eficaces.

La sabiduría artística de Silvia Viñao es claramente perceptible. Una larga formación figurativa y cognoscitiva se esconde en sus formas para mostrar vínculos con toda una tradición pictórica italiana y europea. Parece obvio citar la pintura veneciana, los retratos de Tiziano Vecellio y los bustos mujeres de origen clásico y romano, pero el intento de este artista es exquisitamente evocador.

Su objetivo es crear versiones expresionistas de temas altamente simbólicos y refractarios a cualquier forma de metamorfosis plástica y formal. Por lo tanto, en esta coyuntura se pone de manifiesto el enorme esfuerzo al que somete su propia habilidad para escapar de cualquier trivial intento de copiar un arquetipo de partida para espaciarse exclusivamente en el mundo del abstractismo expresionista.

 Virginia Bernal confía ambientes, personajes y temas a una representación simbólica clara y expresiva, con el uso de la «escritura» aproximada a la imagen según una tradición conocida Europa muy de moda a lo largo de todo el siglo XX.

Sus escenas son del teatro. de la vida donde cada uno de nosotros termina siendo el protagonista inconsciente en ese “juego pirandeliano2 que se desencadena entre el yo y el otro/los otros. El de Virginia Bernal es un sabor que prefiere el polimatérico con la reutilización de objetos pertenecientes a la vida y ligados al recuerdo con grandes sugerencias hacia fragmentos de papeles pintados y recortes de revistas.

 El protagonista de los recuerdos es a menudo un personaje representado por una estatuilla de juguete que mantiene sus papeles y cultiva sus sueños.

 El arte de Vittorio Vanacore prefiere los efectos materiales tales como la aparición de óxido en un soporte metálico. Esta transformación natural se compara por el artista con las líneas vivas de la misma superficie que a través de cepillados y lijados adecuados hace las intersecciones especialmente sensibles a la luz. Es un soporte donde se integran rasgaduras y velaciones circunscribiendo toda la representación a un espacio, de hecho, indefinido.

A menudo en las obras de Vanacore para cruzar la escena en líneas especialmente suspendidas son pequeños barcos de papel o simples cuerpos sólidos que indican cuánto el invento principal es profundamente imaginativo y evasivo.

«Nuevos mundos posibles» sería un título que se sostiene muy bien para muchas obras de este artista. Pero estas dimensiones él las experimenta con gran sugestión emocional que elige no titular la obra para dar al observador  plena libertad de interpretación.

En los retratos de Xavi Ferragut ineludibles las experiencias de viaje realizadas por el artista entre los pueblos de África Occidental somatizando a menudo todo el drama del empobrecimiento del continente África en comparación con la explotación que otras partes del planeta ejercen sobre él.

Originario de Algemesí, municipio de la provincia de Valencia, pone todo el interés por los habitantes de las orillas opuestas del Mediterráneo siguiendo un aspecto cultural recurrente en este territorio de España y atribuible a la fundación por los árabes de muchas de estas ciudades. Desafortunadamente un estatus social de riqueza, que en muchos casos, se remonta a siglos atrás y hoy en día, es difícil reconocerlo entre los pueblos de África habitados por pobres y desheredados. Son seres humanos a los que les queda como única posibilidad de rescate social y civil, el papel del migrante.